Por Jared Stauth
Tomado de Building Catholic Culture
Traducido y adaptado por FormacionCatolica.org
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La música clásica nos habla, incluso si gran parte de ella no tiene palabras. Nos comunica, sin embargo, a través de su poderosa y compleja melodía, ritmo y armonía, empleando un bello y matemático lenguaje que encanta, agita a veces, inspira, calma y estimula. En contraste con la música pop, que agrada y entretiene inmediatamente, la música clásica abre un nuevo mundo de ideas e imaginación, y nos lleva a profundidades espirituales de reflexión, incluso cuando la música no es explícitamente sagrada.
Frodo Bolsón describe tal experiencia, dentro de El Señor de los Anillos de JRR Tolkien, cuando escuchó música por primera vez en el reino élfico de Rivendell:
«Al principio la belleza de las melodías y de las palabras entretejidas en lenguas élficas, aunque las entendía poco, lo embelesaron, en cuanto empezó a prestarles atención. Casi parecía que las palabras tomaban forma, y visiones de tierras lejanas y cosas brillantes que nunca había imaginado se abrieron ante él; y la sala iluminada por el fuego se convirtió en una neblina dorada sobre mares de espuma que suspiraban en los confines del mundo. Entonces el encantamiento se volvió más y más onírico, hasta que sintió que un río interminable de oro y plata crecientes fluía sobre él, demasiado multitudinario para que su patrón pudiera ser comprendido; se convirtió en parte del aire palpitante a su alrededor, y lo empapó y lo ahogó. Rápidamente se hundió bajo su brillante peso en un profundo sueño» De La Comunidad del Anillo.
Nunca olvidaré la primera vez que asistí a un concierto de música clásica: una interpretación de Beethoven durante un año de estudios secundarios en el extranjero, en Polonia. Supongo que el escenario más cercano a Rivendell que pude encontrar en la hermosa ciudad de Wroclaw. Fue mi primera experiencia de éxtasis musical, tal como la de Frodo en Rivendell. Antes de eso, me gustaba la música clásica, después, me encantó.
Si no has experimentado este tipo de éxtasis musical, ¡entonces ya es hora! Aquí te dejo algunas piezas introductorias para darte un curso intensivo sobre los grandes compositores y obras de la música clásica. El orden histórico de las piezas te ayudará a comprender cómo fue desarrollándose el arte musical y cómo el genio particular de los grandes compositores lleva el arte al siguiente nivel. Hablo como teólogo, no como experto en música. Como alguien que ha apreciado la música clásica durante décadas, y está feliz de ofrecer estos puntos de partida para aquellos que buscan comenzar a explorar esta gran tradición.
1. Palestrina: Missa Papae Marcelli (1567)
La música clásica se desarrolló directamente a partir de la música sagrada de la Iglesia. A partir del canto gregoriano se desarrolló la notación musical moderna. El canto se cantaba a capella (literalmente, en la capilla) y al unísono; pero ya en la alta Edad Media surgió la técnica de la polifonía, es decir, un mismo texto era cantado por muchas voces a la vez, creando armonía. Esta tradición alcanzó su punto culminante bajo Palestrina, un laico al servicio de la Iglesia en Roma. Perfeccionó la técnica del contrapunto: reglas para perfeccionar armonías y que fue estudiada más tarde por Bach y condujo al desarrollo de orquestaciones más complejas. Esta Misa es su composición más famosa y fue utilizada para la coronación de papas durante siglos. En esta música celestial, no escucharás ningún instrumento y sólo actuarán voces masculinas (hombres y niños).
2. Antonio Vivaldi: Cuatro estaciones (1716-17)
Para nuestra segunda pieza, nos quedamos en Italia. Fueron los italianos quienes desarrollaron los instrumentos y la terminología utilizada en la música clásica. Piense en el piano (que significa «suave» en italiano) y crescendo («elevarse»). Vivaldi es una figura muy conocida, pero su apodo: «el sacerdote rojo», revela un hecho poco conocido sobre él: era un sacerdote no particularmente devoto. Escribió música sacra hermosa, como su «Gloria» y un oratorio (como una ópera sin acción dramática) sobre el libro de Judith. «Las Cuatro estaciones» es una colección de conciertos que se consideran con razón su obra maestra y que claramente evocan las imágenes y sonidos de la naturaleza (incluidos los pájaros y los perros que ladran) y el clima (tormentas, hielo, fuego).
3. Johann Sebastian Bach: Concierto de Brandeburgo n.º 4 en sol mayor (1721)
Si Palestrina muestra las raíces sagradas de la música clásica, también podemos ver en ella la influencia de lo mundano, con el baile ayudando a dar forma al concierto (y más tarde a la sinfonía). El concierto reúne a un conjunto de instrumentos al tiempo que presenta interpretaciones solistas, y se compone de tres movimientos: un movimiento rápido, lento y final rápido, y el final se basa en la forma de una danza, como un minueto o scherzo. Bach escribió los conciertos de Brandeburgo para presumir, buscando conseguir un puesto cómodo en la corte, pero fue en vano. Sin embargo, nos beneficiamos de ellos, incluido este cuarto concierto que sorprendentemente presenta dos flautas dulces. El trabajo principal de Bach fue escribir música sacra para la Iglesia Luterana, dejándonos una enorme cantidad de hermosas cantatas y música para el culto, e incluso su magistral católica «Misa en si menor», mi favorita, personalmente hablando.
4. George Frideric Handel: Música acuática (1717)
Bach y Handel nacieron el mismo año, a sólo 120 km de distancia. Handel aprendió de los italianos y estimuló la música clásica en el norte, primero en Hamburgo y luego en Inglaterra, donde se hizo famoso por escribir óperas italianas. Estamos más familiarizados con su oratorio «El Mesías», poniendo música a textos bíblicos, que en realidad fue escrito para Pascua, no para Navidad (piense en el «Aleluya»). «Música acuática» es un logro impresionante, compuesto por tres suites, más largas que los conciertos, e interpretada por una gran orquesta, no solo al aire libre sino originalmente en barcazas en el río Támesis (de ahí su nombre). Haendel la escribió a petición de su antiguo jefe, el elector de Hannover, que recientemente se había convertido en el rey Jorge I.
5. Wolfgang Amadeus Mozart – Eine kleine Nachtmusik (1787)
Puede que haya sido una de las decisiones más difíciles de mi vida elegir una pieza de Mozart. ¡Bromeé con mi esposa diciendo que podría haber elegido diez piezas de Mozart! Junto con su amigo Haydn, Mozart representa el paso del barroco al período clásico, conocido por su perfección y armonía racionales y por suavizar algo de la intensidad barroca. Este período de tiempo vio el perfeccionamiento y la adición de algunos instrumentos como el piano, mucho más suave que el clavicémbalo, y el clarinete. Los conciertos para piano y clarinete de Mozart son simplemente impresionantes e inagotables por su riqueza. Ha escrito música eclesiástica sublime y óperas gloriosas, pero recomiendo comenzar con una pieza más corta (en cuatro movimientos, poco menos de 20 minutos), «Eine kleine Nachtmusik», una serenata de una «música nocturna», una pieza encantadora compuesta para una reunión social e interpretada por un conjunto de cámara. Hay otro mundo por descubrir en Mozart que no te defraudará y que deberías disfrutar junto al de Bach.
6. Ludwig van Beethoven: Sinfonía n.° 6, La sinfonía pastoral (1808)
Beethoven hizo estallar la música clásica, elevando su poder expresivo con su pasión y energía dinámica. Dominó la técnica clásica de Mozart y Haydn y tomó su forma musical preferida en la sinfonía, una obra de cuatro movimientos con una orquesta completa que se convirtió en el escaparate principal de la música clásica. Cuando se trata de Beethoven, tengo ganas de decir: elige una sinfonía, cualquier sinfonía. Bueno, si tengo que elegir una para ti, ¿por qué no la sinfonía pastoral, la sexta? Pero realmente no podías equivocarte con su quinta o séptima más famosa, pero en la sinfonía pastoral obtendrás una pieza relajante y encantadora que, como Vivaldi, evoca un entorno campestre, pastores y una gran tormenta. Si quieres otras sugerencias de Beethoven, también me encanta su concierto Del Emperador y también deberías probar su sonata Claro de Luna.
7. Frédéric Chopin: Nocturno en mi bemol, op. 9, N.° 2 (1830)
Beethoven inició el movimiento romántico en la música, y los compositores del siglo XIX continuaron desarrollando el poder expresivo de la música que él desató. Un hombre, Chopin, desató el potencial de un solo instrumento, el piano. Lo veo como un gran pintor de melodías con sus diferentes estados de ánimo y expresión intensificada, usando el piano como su pincel. Amaba su tierra natal, Polonia, y se inspiraba en danzas tradicionales, como la mazurca y la polonesa, pero los nocturnos muestran su gran estilo expresivo, evocando los sentimientos de la noche. La mayoría de sus composiciones son para un solo de piano y el «Nocturno en mi bemol», su composición más famosa tiene poco menos de cinco minutos de duración y proporciona un gran ejemplo de la influencia emocional que la obra de Chopin puede tener sobre nosotros.
8. Gioachino Rossini: El barbero de Sevilla (1816)
En la ópera se aprecia la capacidad de expresión y dramatismo de la voz humana. Puede ser la forma más intimidante de la música clásica, confusa o abrumadora, pero no es necesario que conozca la historia y siga cada palabra (aunque ayuda a comprender lo que expresa la música). Por mucho, la mejor ópera introductoria se puede encontrar en «El barbero de Sevilla» de Rossini. Llamo a Rossini el compositor divertido ya que su música es muy animada, especialmente su «Obertura de Guillermo Tell». Siempre que la escuchan, mis hijos se animan y alegran. «El barbero de Sevilla» es una ópera que no puedes dejar de disfrutar, con su encantador protagonista, Fígaro, el barbero que se presenta con la famosa aria que abre la ópera. Es el ejemplo más famoso de ópera bufa, una ópera cómica, y hay mucho humor en la historia y aún más alegría en la música.
9. Felix Mendelssohn: Hebrides Overture, Fingal’s Cave (1830, revisado en 1832)
La mayoría de la gente incluiría a Brahms en una lista esencial, y puede consultarlo cuando tenga tiempo (junto con otros grandes, como Schubert, Schumann, Mahler y Liszt), pero creo que Mendelssohn es un mejor punto de entrada al alemán. Y al Romanticismo. Nacido en una familia judía, fue bautizado como cristiano reformado cuando era niño y viajó mucho, especialmente a Gran Bretaña. Durante una visita a Escocia, se paró frente a la cueva de Fingal, una cueva marina en una isla, y escuchó el eco del agua y el viento. La obertura (originalmente una forma de música introductoria, como antes de una ópera, pero aquí significa una obra temática independiente) se considera un poema sinfónico, una pieza musical destinada a invocar una imagen o historia en particular. Mientras escuchas, puedes imaginarte transportado a esta cueva con su roca escarpada y sonidos dramáticos.
10. Pyotr Ilyich Tchaikovsky: Concierto para piano núm. 1 en si bemol menor (1874-75)
Nuestra selección final nos lleva a Rusia, la tierra de la gran música folclórica y el ballet. Tchaikovsky es mejor conocido por sus partituras de ballet, como «El cascanueces», «El lago de los cisnes» y «La bella durmiente». También representa el romanticismo en el apogeo de su poder expresivo (junto con Berlioz y Verdi), incorporando las grandes tradiciones de Rusia a las corrientes de expresión de Europa occidental. Solo unas pocas décadas después la música clásica descenderá al atonalismo y la negación de la primacía de la melodía. Afortunadamente todavía estamos hablando de Tchaikovsky y si escuchas su primer concierto para piano todavía estarás completamente dentro del poder de la melodía y la armonía, aunque con algunas nubes oscuras en el horizonte con su exploración de la tensión interna y la melancolía, aunque uno resuelta en paz y hasta en triunfo.
BONUS: 11. Arvo Pärt: Summa (1977)
¿Está muerta la música clásica? Pues se ha mantenido viva, irónicamente en Hollywood (ver la partitura de El Señor de los Anillos, por ejemplo), pero también hay algunos compositores contemporáneos profundamente conmovedores en el movimiento del minimalismo sagrado. Arvo Pärt, el más significativo de ellos, ha sido uno de los dos compositores vivos más interpretados en la última década (junto con John Williams). Volviendo a la tradición musical de Occidente, incluido el canto gregoriano, también incorpora algunas ideas de lo que parecía ser un movimiento atonal insalvable. Convertido del luteranismo a la ortodoxia, ha tendido un puente entre Oriente y Occidente, como vimos en la pieza, «Summa», que invoca las grandes obras maestras teológicas de la Edad Media y, como ellas, transmite el Credo de la creencia cristiana. Originalmente era una pieza coral, aunque luego agregó instrumentalización (y a menudo se interpreta en un entorno únicamente instrumental; ¡tal vez la gente se sienta intimidada por el texto en latín del Credo que usa! ). Pärt es un gran testigo del poder de la gran tradición para inspirar gran música nueva que mira al pasado y habla de nuestra propia época.
1 comentario en “Diez obras maestras musicales: un punto de partida a la música clásica”
Creo que la música endulza el alma como un canto de angeles que lo traslada al lugar y el momento que más recuerdo le da a uno con escuchar las notas de cada autor de esta música clásica gracias ,mil gracias .